Le maniérisme et la fin de la Renaissance
Après l’harmonie de la Haute Renaissance, les artistes recherchèrent le raffinement, l’inquiétude et la surprise.
À la mort de Raphaël en 1520, alors que Michel-Ange avait montré ce qui était possible, les jeunes artistes se demandèrent ce qu’il restait à faire. La réponse fut un art qui rompait délibérément avec l’harmonie. Les corps s’allongèrent, les couleurs devinrent acides, les espaces étroits et difficiles à lire. Ce style est appelé maniérisme, d’après le mot italien maniera, le style ou la manière. Le terme fut longtemps péjoratif, mais on considère aujourd’hui cette période comme l’une des plus expérimentales de l’histoire de l’art. Les artistes voulaient affirmer leur propre style.
La période fut marquée par la crise. Rome fut mise à sac en 1527 par les soldats de l’empereur, la Réforme divisa l’Église en Europe et l’Église catholique répondit par la Contre-Réforme et le concile de Trente. L’art devait désormais être clair et pieux, et la nudité dans les églises était vue avec méfiance. Dans le même temps, l’art de cour s’épanouissait à Florence, à Mantoue et dans d’autres cités princières, où des commanditaires cultivés appréciaient les allégories énigmatiques et la virtuosité élégante. Les artistes circulaient entre ces mondes. Un même peintre pouvait réaliser un austère retable pour une église et une mythologie sensuelle pour un duc.
À Venise, Titien continua de peindre jusque dans les années 1570, tandis que le Tintoret et Véronèse emplissaient églises et palais de grandes toiles lumineuses et dramatiques. L’architecte Andrea Palladio construisit des villas et des églises d’après des modèles antiques, et son traité d’architecture se diffusa dans le monde entier. Giorgio Vasari écrivit les premières biographies d’artistes et fonda une académie à Florence. L’art était devenu un objet d’écriture, d’enseignement et de collection. Ainsi furent posées les bases de l’histoire de l’art moderne.