Lamentación sobre Cristo muerto
Uno de los frescos de Giotto en la capilla de los Scrovegni de Padua. Las figuras sufren de verdad: se inclinan, extienden los brazos, lloran. Aquí la pintura empieza a dejar atrás las figuras rígidas de la Edad Media.
Siga la cresta rocosa, que baja en diagonal hacia el rostro de Cristo: la composición guía la mirada.
Los frescos de la capilla de los Scrovegni de Padua los encargó Enrico Scrovegni, un rico mercader y banquero. Su padre, Reginaldo, había sido famoso por la usura, y Dante lo situó entre los usureros del infierno en la Divina comedia. A menudo se ha interpretado la capilla como un intento de Enrico de expiar los pecados de la familia, pero se trata de una interpretación y no de algo que las fuentes digan expresamente. La capilla se consagró en 1305, y Giotto pintó los frescos durante los años anteriores.
Giotto cubrió de imágenes casi todo el interior de la capilla. En franjas a lo largo de los muros se narran las historias de Joaquín y Ana, padres de María, la vida de María y la de Cristo. La bóveda es de un azul intenso con estrellas doradas. En el muro de la salida está el Juicio Final, donde el propio Enrico Scrovegni aparece arrodillado ofreciendo una maqueta de la capilla. La Lamentación sobre Cristo muerto forma parte de las escenas de la Pasión del registro inferior.
En la Lamentación, el cuerpo muerto de Cristo yace en el suelo, abajo a la izquierda. María sostiene su cabeza junto a la suya y le mira el rostro. María Magdalena está sentada a sus pies. Juan se inclina hacia delante y echa los brazos hacia atrás con desesperación. En primer plano hay dos figuras sentadas de espaldas. Están completamente envueltas en sus mantos y hacen que nosotros mismos parezcamos formar parte del círculo de dolientes.
Arriba, diez pequeños ángeles llenan el cielo. Se retuercen, se arañan la cara y extienden los brazos, cada uno con su propio gesto de dolor. En lo alto de la roca, a la derecha, hay un árbol desnudo. A menudo se ha interpretado como el Árbol de la Ciencia del paraíso, que se secó con el pecado original, aunque la interpretación no es segura.
La composición se articula en torno al borde rocoso que desciende en diagonal hacia Cristo y María. El centro de gravedad de la imagen está abajo y a un lado, algo inusual para la época. Las figuras tienen peso y volumen, y sus ropas caen en grandes pliegues. Los rostros expresan el dolor de maneras distintas, y los gestos cuentan la historia sin necesidad de texto.
Giotto trabajó al fresco auténtico, en el que el color se aplica sobre el enlucido de cal húmedo y queda fijado al secarse. Pintaba una sección cada vez, la llamada giornata o jornada. El azul del cielo, en cambio, se aplicó sobre el enlucido seco y por eso se ha desprendido en parte. La capilla se restauró a fondo en 2001–2002. Hoy los visitantes esperan primero en una antesala que estabiliza la humedad, y el tiempo dentro de la capilla está limitado.
Ya sus contemporáneos consideraban a Giotto un renovador. Dante escribió que Giotto le había arrebatado a Cimabue la gloria de ser el primer pintor. Con sus figuras corpóreas y cargadas de emoción, Giotto sentó las bases de la pintura del Renacimiento. Desde 2021 la capilla forma parte del patrimonio mundial de la Unesco junto con los demás ciclos de frescos del siglo XIV de Padua.