Nature morte et vanité : le langage caché des objets

La nature morte est un genre où des objets immobiles, comme des fruits, des fleurs, de la vaisselle et des ustensiles, sont l’unique sujet. La vanité est une sorte particulière de nature morte des XVIe et XVIIe siècles où crânes, sabliers et fleurs fanées rappellent au spectateur que la vie est brève et que le luxe terrestre est passager.

Faits

Un sujet mal classé devenu grand

Les artistes de l’Antiquité peignaient déjà des fruits et des oiseaux, et des natures mortes romaines subsistent à Pompéi. Mais comme genre à part entière, la nature morte n’apparut qu’aux XVIe et XVIIe siècles. L’Académie française classait les genres selon une hiérarchie où la peinture d’histoire était au sommet et la nature morte tout en bas, car elle n’exigeait ni imagination ni représentation de personnages. Elle n’en était pas moins aimée des acheteurs, surtout aux Pays-Bas, où les bourgeois voulaient voir leurs possessions représentées.

À l’âge d’or néerlandais, on peignit des natures mortes en de nombreuses variantes : tables de petit-déjeuner avec jambon et bière, bouquets, trophées de chasse et somptueuses natures mortes d’apparat avec aiguières d’argent, coupes d’or et fruits coûteux. Dans certaines on reconnaît de vrais objets, comme le römer en verre ou la coupe en nautile ; voir les objets de la partie design.

Lire la vanité

Vanité est le mot pour une image qui invite le spectateur à se souvenir de la mort. L’expression vient du livre de l’Ecclésiaste dans la Bible : « Vanité des vanités, tout est vanité. » Le crâne en est le signe le plus clair, mais sabliers, montres, bougies éteintes, fleurs fanées, citrons pelés et bulles de savon signifient aussi que le temps passe et que tout est périssable.

Livres, instruments de musique, argent et bijoux représentent le savoir, le plaisir et la richesse, ce que les hommes estiment mais qui ne sert à rien devant la mort. Un papillon mort ou un masque peut symboliser la rapidité avec laquelle la vie s’achève. Voir le langage des symboles dans le guide sur l’iconographie et les attributs et des thèmes comme la mort et la nature morte.

L’Espagne et la France

En Espagne, le genre s’appelle bodegón. Francisco de Zurbarán peignit en 1633 une nature morte avec citrons, oranges et une tasse, les objets alignés dans une lumière vive sur fond d’obscurité, comme presque sacrés ; voir l’âge d’or espagnol. Aux Pays-Bas, Rachel Ruysch réalisa des bouquets d’une précision presque scientifique, où vers et insectes rampent parmi les fleurs en rappel de la décomposition. Voir les thèmes fleurs et repas.

Au XVIIIe siècle, Jean Siméon Chardin donna au genre un sérieux calme et humble avec des ustensiles de cuisine et des fruits peints en tons doux. La nature morte devint moins un message qu’une étude de forme, de lumière et de matière.

L’art moderne et l’héritage de la nature morte

Pour Paul Cézanne, pommes et pots étaient un laboratoire. Il disposait les objets en composition et laissait la perspective se déplacer pour montrer comment nous voyons réellement, posant ainsi une base du cubisme. Vincent van Gogh peignit les Tournesols en pâte épaisse, et Pablo Picasso et Georges Braque disloquèrent bouteilles, instruments et journaux dans des natures mortes cubistes avec collage.

L’artiste pop Andy Warhol fit des boîtes et des bouteilles des icônes, comme dans Campbell’s Soup Cans, nature morte de la consommation du XXe siècle. L’image de vanité survit dans l’art contemporain, dans une mouche morte, une pomme pourrie ou la photographie d’un bouquet qui se décompose. La force du genre tient à ce que l’objet ordinaire porte une grande pensée.

Comment le reconnaître

Exercice

Que représentent généralement un crâne et un sablier dans une image ?