Qu’est-ce que la perspective aérienne ? Comment les peintres créent la profondeur par la couleur

La perspective aérienne est une manière de créer la profondeur dans une image par la couleur plutôt que par les lignes. Ce qui est lointain est peint plus clair, plus bleu, moins contrasté et avec moins de détails, car l’air entre l’œil et l’objet diffuse la lumière. Léonard de Vinci a décrit le principe et l’a employé dans le paysage derrière la Joconde, mais on le trouve aussi dans la peinture de paysage chinoise et chez Bruegel.

Faits

Ce que voit l’œil

Quiconque s’est tenu sur une hauteur par temps clair, face à un paysage de crêtes, a vu la perspective aérienne. La crête la plus proche est vert sombre et nette, la suivante vert bleuté, et les plus lointaines sont bleu pâle et presque transparentes contre le ciel. Plus elles sont loin, plus les formes se simplifient et plus les contours s’adoucissent.

L’explication est que l’air n’est pas parfaitement transparent. Il contient de la vapeur d’eau, de la poussière et des molécules qui diffusent la lumière, et la lumière bleue est la plus diffusée. C’est pourquoi le ciel est bleu, et pourquoi une brume bleue s’interpose entre nous et tout ce qui est lointain. Plus il y a d’air, plus il y a de brume. Trois choses changent à la fois : la valeur devient plus claire, la teinte tire vers le bleu et le contraste entre clair et sombre diminue.

Deux sortes de perspective

Les peintres de la Renaissance disposaient de deux outils pour créer la profondeur. La perspective linéaire construit l’espace avec des lignes : les lignes parallèles qui pénètrent dans l’image se rejoignent en un point de fuite, et les objets rapetissent avec la distance. Elle fonctionne le mieux pour les sols, les rues et les bâtiments aux arêtes droites.

La perspective aérienne construit l’espace avec la couleur et fonctionne le mieux là où il n’y a pas de lignes droites, dans les paysages de montagnes, de forêts et d’eau. Les deux se complètent, et la plupart des peintres ont employé les deux. Les illustrations de la section sur la perspective dans Regarder l’art les montrent séparément ; la perspective aérienne figure aussi plus bas sur cette page, où vous pouvez faire varier la brume et la distance.

Léonard et la Joconde

Léonard de Vinci a écrit sur la perspective aérienne dans les notes sur la peinture qui furent rassemblées en traité après sa mort. Il observait que les objets perdent leur couleur et leurs contours avec la distance et que les montagnes les plus lointaines deviennent bleues, et il exhortait les peintres à peindre les choses éloignées plus claires et plus floues en proportion de la distance.

Le paysage derrière la Joconde est un exercice sur ce point précis. Tout au fond, des rochers et de l’eau se dressent dans un bleu-vert, une brume presque dissoute, tandis que la femme au premier plan est peinte dans des tons chauds et sombres. Le contraste donne l’impression qu’elle est assise près de nous, devant un immense espace. On retrouve les mêmes passages doux dans son sfumato, où les contours se dissolvent comme dans la fumée. Pour en savoir plus, voir le guide sur la Joconde.

Bruegel et la peinture de paysage

Pieter Bruegel l’Ancien peignit Les Chasseurs dans la neige en 1565. Trois chasseurs avec leurs chiens descendent une colline au premier plan, sombres sur la neige. En contrebas s’étend une vallée avec des étangs gelés et de petites silhouettes qui patinent, et tout au fond se dressent des montagnes pointues gris-vert sous un ciel vert pâle. L’image n’a presque aucune ligne droite qui guide le regard vers l’intérieur ; la profondeur vient de couleurs de plus en plus froides et pâles.

Au XVIIe siècle, un schéma simple devint courant dans la peinture de paysage : brun au premier plan, vert au milieu et bleu dans le lointain. Claude Lorrain construisit ses paysages idylliques avec une brume dorée qui dissout l’horizon, et J.M.W. Turner poussa cela jusqu’à une peinture où toute l’image peut n’être que lumière et air. Le Voyageur contemplant une mer de nuages du romantisme vit lui aussi des couches de brouillard. Voir le thème paysage dans l’appli.

La Chine : des montagnes dans la brume

La perspective aérienne n’est pas une invention européenne. Dans la peinture de paysage chinoise, la brume et les espaces vides séparent les différents plans de montagnes, qui semblent se trouver à des distances différentes. Voyageurs au milieu des monts et des torrents de Fan Kuan, vers l’an 1000, montre une immense montagne qui s’élève derrière une bande de brume, si bien qu’elle paraît à la fois proche et infiniment lointaine.

Le peintre Guo Xi décrivit au XIe siècle trois manières de voir la distance dans un paysage : la haute, quand on regarde vers un sommet, la profonde, quand on regarde derrière les montagnes, et la plate, quand on regarde une plaine vers l’horizon. La brume et l’encre plus légère pour le lointain remplissent la même fonction que la brume bleue de Léonard. Pour en savoir plus sur cette période, voir la dynastie Song.

Voir soi-même la perspective aérienne

Regardez l’arrière-plan d’un paysage peint et demandez-vous comment le peintre montre la distance. Les couleurs deviennent-elles plus claires et plus bleues ? Les contours s’adoucissent-ils ? Y a-t-il des couches de brume ou de brouillard entre le premier plan et le fond ? Comparez ensuite avec une image où la profondeur est construite par des lignes, comme une rue ou un sol.

Un test simple consiste à regarder l’image en niveaux de gris, ou en plissant les yeux. Les teintes disparaissent alors et seules les valeurs subsistent, et l’on voit clairement que les parties lointaines se situent dans un ton plus clair et plus plat. Le mot figure aussi dans le glossaire, et le guide sur la façon de lire un tableau présente d’autres manières de regarder.

Comment le reconnaître

Exercice

Comment peint-on habituellement des montagnes lointaines en perspective aérienne ?