Dal gotico al Rinascimento – la differenza nella pittura

La differenza tra gotico e Rinascimento nella pittura sta nella concezione dello spazio e dell'uomo. L'arte gotica (ca. 1150–1400) pone figure sacre su fondo oro, rende più grandi le più importanti e racconta per segni. La pittura rinascimentale (dal 1420 circa) costruisce uno spazio con la prospettiva centrale, dà alle figure peso, anatomia e ombre e le colloca in un paesaggio reale. Il passaggio cominciò con Giotto intorno al 1305 e fu compiuto con La scuola di Atene di Raffaello nel 1511.

Fatti

Il gotico: oro, segni e significato

La pittura gotica in Italia si trovava nelle pale d'altare, nei manoscritti e sulle pareti delle chiese. Pittori come Cimabue e Duccio dipingevano la Madonna in trono su un fondo di foglia d'oro. L'oro non era un cielo ma un segno del divino, una luce che non appartiene a nessun luogo. Lo spazio è poco profondo, e le figure stanno l'una sulle spalle dell'altra piuttosto che l'una dietro l'altra.

Le persone più importanti erano dipinte più grandi: Maria più dei santi e i santi più dei donatori. Si chiama prospettiva gerarchica. Le figure sono snelle, con pieghe lunghe e morbide, e i loro corpi hanno poco peso. L'immagine non doveva somigliare alla realtà ma mostrare una realtà superiore, e la si leggeva con l'aiuto di attributi e gesti. Vedi l'epoca del gotico.

Giotto: il primo passo

Intorno al 1305 Giotto dipinse la cappella di Padova con scene della vita di Maria e di Cristo. Nel Compianto sul Cristo morto le persone siedono attorno a Cristo morto e soffrono davvero. Si chinano, spalancano le braccia, piangono. Due figure siedono di spalle a noi, così che quasi sediamo noi stessi nel cerchio. I corpi hanno peso, e le vesti cadono in ampie pieghe.

Lo sfondo non è ancora un vero paesaggio, e il cielo è di un blu piatto. Ma Giotto diede alla pittura persone di carne e ossa, e i suoi contemporanei capirono che era accaduto qualcosa di nuovo. Per questo sta sul confine: gotico per cronologia, ma modello del Rinascimento. Dipinse in vero affresco; approfondisci nella guida su affresco, tempera e olio.

La prospettiva: uno spazio in cui entrare

Il passo decisivo fu compiuto a Firenze negli anni 1420. L'architetto Filippo Brunelleschi mostrò come tutte le linee che vanno in profondità si incontrino in un unico punto, il punto di fuga, e Masaccio applicò il metodo nell'affresco della Trinità in Santa Maria Novella, intorno al 1427. Qui la parete sembra aprirsi su una cappella con volta a botte. Leon Battista Alberti scrisse nel 1435 il libro Sulla pittura, in cui descriveva l'immagine come una finestra sul mondo.

Con la prospettiva la dimensione divenne una questione di distanza, non di importanza. Ciò che è lontano viene dipinto piccolo, anche se è un santo. L'immagine esplicativa qui sotto mostra come funzionano i punti di fuga, e Guardare l'arte: la prospettiva e la guida sulla prospettiva centrale approfondiscono il tema.

Il Rinascimento: corpi, antichità e paesaggio

I pittori del Rinascimento studiarono l'anatomia e la scultura antica per rendere correttamente il corpo. Costruirono il volume con la luce e l'ombra, e lo sfondo divenne un paesaggio con aria e distanza. I soggetti si ampliarono: oltre alla Bibbia e ai santi arrivarono i miti antichi, come ne La nascita di Venere di Botticelli, del 1485 circa, e i ritratti di persone reali.

Il culmine è La scuola di Atene di Raffaello, del 1511, in cui i filosofi dell'antichità stanno in una vasta architettura con linee prospettiche che si incontrano tra Platone e Aristotele. Niente oro, niente grandi e piccoli secondo il rango, solo persone in una stanza che sembra continuare oltre la parete. Leggi Che cos'è il Rinascimento?

Al nord e in Svezia

Nelle Fiandre il rinnovamento avvenne in un altro modo. Jan van Eyck non aveva una prospettiva matematica, ma con il colore a olio poteva rendere la luce su metallo, vetro e pelliccia in modo così preciso che la stanza del Ritratto dei coniugi Arnolfini, del 1434, appare reale. Le forme, con archi acuti e lunghe pieghe, sono ancora gotiche; l'osservazione è già nuova.

In Svezia il gotico durò a lungo. Mentre Botticelli dipingeva La nascita di Venere, Albertus Pictor dipingeva le volte delle chiese della regione del Mälaren, con figure piatte e contorni netti, come La Morte gioca a scacchi a Täby. E San Giorgio e il drago di Bernt Notke nella Storkyrkan, del 1489, è tardogotico nella sua forma più drammatica. Vedi Il Medioevo svedese e la guida sulle parti di una pala d'altare a sportelli.

Cerca la differenza

Comincia dallo sfondo. Se è oro, o decorato come una parete, l'immagine è probabilmente gotica. Se è un paesaggio con orizzonte o una stanza con il pavimento che va in profondità, è probabilmente del Rinascimento. Guarda poi le dimensioni: le figure più importanti sono più grandi delle altre, pur essendo alla stessa distanza?

Guarda per ultimi i corpi. Se le figure stanno leggere sulle punte, senza peso, con corpi sinuosi e lunghe pieghe, è gotico. Se hanno peso, poggiano sul terreno con il corpo appoggiato su una gamba e proiettano ombre, è Rinascimento. Lo stesso passaggio si vede nell'architettura; leggi architettura romanica e gotica, e a Firenze si può vedere l'intero percorso; vedi Arte da vedere a Firenze.

Come distinguerli

Esercizio

Che cosa significa prospettiva gerarchica nell'arte gotica?