En plein air: dipingere all’aperto

En plein air, in francese «all’aria aperta», significa dipingere all’esterno direttamente davanti al soggetto invece che nello studio. Il metodo portò colori più chiari, pennellate più rapide e una nuova sensibilità per il tempo atmosferico, la luce e l’ora del giorno. Divenne più facile quando, negli anni quaranta dell’Ottocento, i colori a olio cominciarono a essere venduti in tubetti, e gli impressionisti ne fecero il proprio tratto distintivo. In svedese si chiama friluftsmåleri.

Fatti

Dallo schizzo al metodo

I paesaggisti hanno sempre disegnato all’aperto, ma per molto tempo le grandi tele venivano dipinte in studio. Fuori si facevano schizzi, e dentro si costruiva l’immagine secondo regole di composizione e di luce. Intorno al 1800 diventò più comune dipingere piccoli studi a olio direttamente dal vero, soprattutto in Italia, dove giovani artisti di tutta Europa studiavano la luce. In Inghilterra John Constable dipinse moltissimi studi di nuvole all’aperto e annotò sul retro il tempo e l’ora.

Camille Corot imparò dai suoi maestri a dipingere schizzi all’aperto. Dal 1825 al 1828 visse in Italia e dipinse piccoli studi a olio nella luce limpida, con forme nitide e sottili sfumature, come lo studio del ponte di Narni del 1826 al Louvre. Le grandi tele che inviava al Salon erano comunque composte in studio. Gli schizzi, che egli stesso non mostrava, sono oggi considerati tra le sue opere migliori.

Il tubetto e il cavalletto da campagna

Dipingere all’aperto su scala più grande richiedeva nuove attrezzature. In precedenza il colore a olio si conservava in piccole vesciche di budello animale che, una volta aperte, si seccavano in fretta. Nel 1841 il ritrattista americano John Goffe Rand ottenne a Londra il brevetto per un tubetto di metallo comprimibile. Ora il pittore poteva portare con sé un’intera tavolozza. Cavalletti leggeri e pieghevoli, ombrelli contro il sole e tele di formato standard fecero il resto.

Anche la ferrovia ebbe la sua parte. Da Parigi i pittori potevano raggiungere in poche ore la foresta di Fontainebleau, le rive della Senna o la costa della Normandia ed essere di ritorno la stessa sera. La pittura en plein air era legata a una nuova epoca, in cui tempo libero, viaggi e natura divennero soggetti a sé.

Barbizon e la foresta di Fontainebleau

Dagli anni trenta dell’Ottocento un gruppo di pittori si riunì nel villaggio di Barbizon, presso la foresta di Fontainebleau, a sud di Parigi. Sono chiamati la scuola di Barbizon, e ne facevano parte Théodore Rousseau e Jean-François Millet, che abitò nel villaggio dal 1849 fino alla morte. Corot dipingeva spesso nella stessa foresta. Volevano mostrare la natura francese com’era, con querce, paludi e contadini al lavoro, non come una quinta idealizzata per i miti.

I pittori di Barbizon facevano spesso studi all’aperto e finivano in studio, ma resero il paesaggio un soggetto serio e posero le basi del realismo. I giovani impressionisti frequentarono gli stessi luoghi negli anni sessanta dell’Ottocento e fecero un passo ulteriore: volevano che l’immagine finita fosse dipinta all’aperto.

Gli impressionisti: la luce dell’attimo

Per Claude Monet la pittura all’aperto era un principio. Dipingeva grandi tele in giardino e, secondo un racconto noto, fece scavare una buca per poter abbassare la tela e raggiungerne la parte superiore. Più tardi allestì una piccola barca come studio galleggiante sulla Senna. Impressione, levar del sole del 1872, il porto di Le Havre nella foschia mattutina, diede il nome all’intero movimento; per saperne di più c’è la guida sull’impressionismo.

La luce all’aperto cambia di continuo, e ciò impose una nuova tecnica. I pittori lavoravano in fretta, con brevi tocchi di colore puro affiancati invece di toni mescolati, e si accorsero che le ombre non sono grigie ma blu e viola. Monet imparò a poco a poco a lavorare su più tele contemporaneamente e a cambiare tela quando mutava la luce, come nelle serie dei covoni e della cattedrale di Rouen. Molte di quelle opere furono comunque terminate in studio. L’en plein air era tanto un ideale quanto un metodo preciso.

Gli svedesi a Grez e la notte d’estate nordica

Negli anni settanta e ottanta dell’Ottocento artisti svedesi appresero in Francia la pittura all’aperto. Il villaggio di Grez-sur-Loing, a sud di Parigi, divenne un centro per gli scandinavi, e vi dipinsero tra gli altri Carl Larsson, Karl Nordström e Nils Kreuger. La luce lungo il fiume era spesso grigia e umida, e le immagini degli svedesi di quel luogo sono smorzate, lontane dal forte sole degli impressionisti.

L’ora della colazione di Hanna Pauli, del 1887, mostra una tavola apparecchiata in giardino, dove la luce del sole filtra attraverso il fogliame e scintilla su vetro e porcellana. Il quadro ebbe critiche contrastanti e fu giudicato dipinto in modo trascurato, ma è oggi annoverato tra i più amati della pittura svedese all’aperto. Quando gli artisti tornarono in Svezia, la chiara notte d’estate divenne un nuovo soggetto. Per saperne di più sulla loro generazione c’è l’epoca dell’app Gli Opponenti e gli anni novanta dell’Ottocento.

Prova tu stesso

La pittura all’aperto è ancora viva. Molti pittori e dilettanti escono ancora con il cavalletto, e David Hockney dipinse negli anni duemila grandi paesaggi dello Yorkshire in parte all’aperto, su più tele poi unite. Prova tu stesso: scegli una veduta e dipingila o disegnala in mezz’ora, una volta al mattino e una alla sera. Confronta poi le ombre, il colore del cielo e quanto sei riuscito a fare. Il cambiamento della luce è ciò che i pittori all’aperto cercavano di cogliere.

Nell’immagine qui sotto si vede come colore puro accanto a colore puro si fonda nell’occhio. I colori del paesaggio in lontananza sono trattati nella guida sulla prospettiva aerea, e il tema dell’app paesaggio mostra il soggetto nel corso della storia.

Come riconoscerlo

Esercizio

Che cosa rese più facile dipingere all’aperto a partire dagli anni quaranta dell’Ottocento?