Unterschied zwischen Klassizismus und Romantik

Der Unterschied zwischen Klassizismus und Romantik ist der Unterschied zwischen Vernunft und Gefühl. Der Klassizismus (um 1770–1800) sucht die Klarheit der Antike, mit scharfen Konturen, ruhigen Kompositionen und einer Moral, die sich daraus lernen lässt. Die Romantik (um 1800–1850) sucht das Unendliche und Persönliche, mit Farbe, Bewegung, Natur und dem Erhabenen. Beide überschneiden sich zeitlich und reagierten teilweise aufeinander.

Fakten

Linie gegen Farbe

Am schnellsten unterscheidest du die Stile an den Konturen. Die Maler des Klassizismus zeichnen zuerst und tragen dann die Farbe auf. Jede Figur ist klar abgegrenzt, wie ein Relief aus Marmor. Die Oberfläche ist glatt, die Pinselstriche sind kaum zu sehen, und das Licht ist klar. Die Romantiker arbeiten umgekehrt: Die Farbe baut die Form auf, die Pinselstriche sind sichtbar, und die Konturen lösen sich in Licht, Rauch und Schatten auf.

Der Gegensatz wurde in Paris persönlich. Jean-Auguste-Dominique Ingres, ein Schüler Davids, verteidigte die Linie als Grundlage der Kunst. Eugène Delacroix stand für Farbe und Bewegung. Die Kritiker stellten sie jahrzehntelang gegeneinander, und die Debatte setzte einen älteren Streit aus dem 17. Jahrhundert zwischen den Anhängern Poussins und denen von Rubens fort.

Zwei Gemälde, zwei Welten

Jacques-Louis Davids „Schwur der Horatier“ von 1784 ist das Schlüsselwerk des Klassizismus. Drei Brüder schwören mit ausgestreckten Armen, für Rom zu kämpfen, während die Frauen rechts in Trauer zusammensinken. Der Raum ist eine einfache Kulisse mit drei Rundbögen, die Figuren stehen in einer flachen Ebene wie auf einem antiken Relief, und alles ist in Dreiergruppen geordnet. Die Botschaft ist klar: Die Pflicht gegenüber dem Staat geht vor den privaten Gefühlen.

Delacroix’ „Die Freiheit führt das Volk“ von 1830 ist entgegengesetzt aufgebaut. Die Figuren bewegen sich aus dem Rauch auf uns zu, die Komposition ist eine Pyramide aus Körpern und Fahnen, und die Farbe glüht in Rot, Weiß und Blau. Hier gibt es kein antikes Vorbild, sondern ein Ereignis aus demselben Sommer, die Julirevolution in Paris. Beide Gemälde hängen im Louvre, und in der App kannst du sie in Vergleichen nebeneinanderlegen.

Die Skulptur zeigt denselben Unterschied. Antonio Canova und Bertel Thorvaldsen suchten einen kühlen, reinen Marmor, und Johan Tobias Sergels „Faun“ von 1774 ist eine ruhende antike Gestalt, nach Studien in Rom modelliert.

Die Ideen dahinter: das Schöne und das Erhabene

Der Klassizismus erhielt sein Programm von Johann Joachim Winckelmann, der 1755 als Kennzeichen der griechischen Kunst „edle Einfalt und stille Größe“ beschrieb. Die Ausgrabungen in Herculaneum und Pompeji gaben den Künstlern Vorbilder, und der Glaube der Aufklärung an die Vernunft gab ihnen eine Aufgabe: Die Kunst sollte Bürger erziehen. Mehr dazu im Kapitel der Ästhetik über die Aufklärung.

Die Romantik schöpfte aus demselben Jahrhundert einen anderen Begriff. Edmund Burke unterschied 1757 zwischen dem Schönen, das klein, glatt und angenehm ist, und dem Erhabenen, das gewaltig, dunkel und furchteinflößend ist. Immanuel Kant griff die Frage 1790 in seiner Kritik der Urteilskraft auf; siehe das Kapitel über Kant. Die Romantiker suchten das Erhabene in Stürmen, Bergen, Ruinen und im Inneren des Menschen. Das Kapitel über die Romantik zeigt, wie Philosophen und Dichter dem Künstler die Rolle eines Genies zuwiesen, das aus sich selbst schöpft.

Mischformen: Géricault und Goya

Zwei Künstler zeigen, wie nah die Stile beieinanderliegen konnten. Théodore Géricault wurde in der klassischen Tradition ausgebildet und zeichnete Körper wie aus antiker Skulptur. Dennoch wählte er für sein großes Gemälde „Das Floß der Medusa“ von 1819 einen zeitgenössischen Skandal, einen französischen Schiffbruch, bei dem die Überlebenden tagelang auf einem Floß trieben. Die Figuren sind wie klassizistische Akte aufgebaut, doch das Thema, der Schrecken und die aufsteigende Diagonale zu einem Schiff am Horizont sind Romantik.

Francisco de Goya war Hofmaler in Madrid und begann im Geist der Aufklärung und der Klassik. Mit den Radierungen der „Caprichos“ von 1799 und den Kriegsbildern, darunter „Die Erschießung der Aufständischen vom 3. Mai 1808“, wandte er sich etwas ganz anderem zu: Dunkelheit, Gewalt und Albtraum, ohne Helden und ohne Trost. Er wird zu den Wegbereitern der Romantik gezählt, obwohl er keiner Schule angehörte.

Die Überschneidung

Die Stile lösen einander nicht mit einer klaren Jahreszahl ab. Schon 1781 malte Johann Heinrich Füssli seinen „Nachtmahr“, eine schlafende Frau mit einem Dämon auf der Brust, mitten in der Blütezeit des Klassizismus. William Blake schuf seine visionären Bilder zur selben Zeit, als Canova seine Göttinnen meißelte. Umgekehrt behielt Ingres die Linie des Klassizismus bis weit ins 19. Jahrhundert bei.

Auch der Klassizismus konnte emotional sein. Davids „Der Tod des Marat“ von 1793 ist zugleich streng und zutiefst berührend. Und die Romantiker konnten antike Themen wählen; der Unterschied lag darin, wie sie gemalt wurden. Deshalb ist es klüger, von zwei Haltungen zu sprechen als von zwei Perioden.

In Schweden und in der Architektur

In Schweden entspricht die gustavianische Zeit dem Klassizismus, mit Sergel als großem Bildhauer und einem Hof, der nach Paris und Rom blickte. Nach 1809 kam die Romantik, mit Interesse an altnordischer Geschichte, Volksdichtung und schwedischer Natur, etwa in den Landschaften von Carl Johan Fahlcrantz.

Die Architektur folgt demselben Muster. Der Klassizismus baute Tempelfronten, gerade Linien und reine Volumen, während die Romantik das Mittelalter und die Gotik wiederentdeckte. Siehe den Ratgeber zum Klassizismus in der Architektur, und lies über jeden Stil einzeln in den Ratgebern zum Klassizismus in der Kunst und zur Romantik.

So unterscheidest du sie

Übung

Ein Gemälde hat scharfe Konturen, kaum sichtbare Pinselführung und ein Motiv aus der römischen Geschichte. Welcher Stil ist das wahrscheinlich?