Du gothique à la Renaissance : la différence en peinture

La différence entre gothique et Renaissance en peinture tient à la vision de l'espace et de l'être humain. L'art gothique (v. 1150-1400) place des figures sacrées sur un fond d'or, représente les plus importantes en plus grand et raconte par signes. La peinture de la Renaissance (à partir de 1420 environ) construit un espace en perspective centrale, donne aux figures du poids, une anatomie et des ombres et les place dans un paysage réel. La transition commença avec Giotto vers 1305 et s'acheva avec L'École d'Athènes de Raphaël en 1511.

Faits

Le gothique : or, signes et signification

La peinture gothique en Italie se trouvait sur des retables, dans des manuscrits et sur les murs d'églises. Des peintres comme Cimabue et Duccio peignaient la Vierge en majesté sur un fond de feuille d'or. L'or n'était pas un ciel mais un signe du divin, une lumière qui n'appartient à aucun lieu. L'espace est peu profond, et les figures se tiennent sur les épaules les unes des autres plutôt que les unes derrière les autres.

Les personnages les plus importants étaient peints en plus grand, Marie plus grande que les saints et les saints plus grands que les donateurs. C'est ce qu'on appelle la perspective hiérarchique. Les figures sont minces, avec de longs plis souples, et leurs corps ont peu de poids. L'image ne devait pas ressembler à la réalité mais montrer une réalité supérieure, et on la lisait à l'aide d'attributs et de gestes. Voir l'époque du gothique.

Giotto : le premier pas

Vers 1305, Giotto peignit la chapelle de Padoue avec des scènes de la vie de Marie et du Christ. Dans la Lamentation sur le Christ mort, des personnes sont assises autour du Christ mort, et leur deuil est véritable. Elles se penchent, ouvrent les bras, pleurent. Deux figures sont assises de dos, de sorte que nous sommes presque assis dans le cercle nous-mêmes. Les corps ont du poids, et les vêtements tombent sur eux en grands plis.

Le fond n'est toujours pas un vrai paysage, et le ciel est d'un bleu plat. Mais Giotto donna à la peinture des êtres de chair et de sang, et ses contemporains comprirent que quelque chose de nouveau s'était produit. C'est pourquoi il se tient à la frontière : gothique par la date, mais modèle de la Renaissance. Il peignait en véritable fresque ; pour en savoir plus, lisez le guide sur la fresque, la détrempe et l'huile.

La perspective : un espace dans lequel entrer

Le pas décisif fut accompli à Florence dans les années 1420. L'architecte Filippo Brunelleschi montra que toutes les lignes qui s'enfoncent dans la profondeur se rejoignent en un seul point, le point de fuite, et Masaccio employa la méthode dans la fresque de la Trinité à Santa Maria Novella, vers 1427. Le mur semble s'y ouvrir sur une chapelle à voûte en berceau. Leon Battista Alberti écrivit en 1435 le livre De la peinture, où il décrivait l'image comme une fenêtre ouverte sur le monde.

Avec la perspective, la taille devint une question de distance et non d'importance. Ce qui est loin est peint petit, même s'il s'agit d'un saint. L'illustration explicative ci-dessous montre comment fonctionnent les points de fuite, et Regarder l'art : la perspective et le guide sur la perspective centrale vont plus loin.

La Renaissance : corps, Antiquité et paysage

Les peintres de la Renaissance étudiaient l'anatomie et la sculpture antique pour rendre correctement le corps. Ils construisaient le volume avec la lumière et l'ombre, et le fond devint un paysage avec de l'air et de la distance. Les sujets s'élargirent : outre la Bible et les saints apparurent les mythes antiques, comme dans la Naissance de Vénus de Botticelli, vers 1485, et les portraits de personnes réelles.

Le sommet est L'École d'Athènes de Raphaël, de 1511, où les philosophes de l'Antiquité se tiennent dans une immense architecture dont les lignes de perspective se rejoignent entre Platon et Aristote. Pas d'or, pas de grands et de petits selon le rang, seulement des personnes dans un espace qui semble se poursuivre derrière le mur. Lis Qu'est-ce que la Renaissance ?

Au nord et en Suède

En Flandre, le renouveau se fit autrement. Jan van Eyck n'avait pas de perspective mathématique, mais avec la peinture à l'huile il pouvait rendre la lumière sur le métal, le verre et la fourrure avec une telle exactitude que la pièce des Époux Arnolfini de 1434 paraît réelle. Les formes, avec leurs arcs brisés et leurs longs plis, sont encore gothiques ; l'observation est déjà nouvelle.

En Suède, le gothique dura longtemps. Quand Botticelli peignit la Naissance de Vénus, Albertus Pictor peignait les voûtes des églises de la région du Mälar, avec des figures plates et des contours nets, comme La Mort jouant aux échecs à Täby. Et Saint Georges terrassant le dragon de Bernt Notke dans la Storkyrkan, de 1489, est du gothique tardif dans sa forme la plus dramatique. Voir Le Moyen Âge suédois et le guide sur les parties du retable à volets.

Observer la différence

Commence par le fond. S'il est d'or, ou orné de motifs comme un mur, l'image est probablement gothique. S'il s'agit d'un paysage avec un horizon ou d'une pièce dont le sol s'enfonce dans la profondeur, elle date probablement de la Renaissance. Regarde ensuite les tailles : les figures les plus importantes sont-elles plus grandes que les autres, alors qu'elles sont aussi proches ?

Regarde enfin les corps. Si les figures se tiennent légèrement sur la pointe des pieds, sans poids, avec des corps cambrés et de longs plis, c'est du gothique. Si elles ont du poids, se tiennent sur le sol avec le corps reposant sur une jambe et projettent une ombre, c'est de la Renaissance. La même transition se voit en architecture ; lis l'architecture romane et gothique, et à Florence tu peux voir tout le chemin ; voir L'art à voir à Florence.

Comment les distinguer

Exercice

Que signifie la perspective hiérarchique dans l'art gothique ?