Che cos’è l’espressionismo astratto? Pollock, Rothko e la Scuola di New York

L’espressionismo astratto è la corrente che nacque a New York durante e dopo la seconda guerra mondiale, con pittori come Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko e Helen Frankenthaler. I dipinti sono grandi e astratti e vanno vissuti in modo diretto, o come tracce di un gesto o come puri campi di colore. Il movimento è chiamato anche Scuola di New York e fece della città il nuovo centro dell’arte.

Fatti

New York durante e dopo la guerra

Durante la Depressione degli anni trenta molti giovani pittori americani trovarono lavoro nel programma statale per artisti disoccupati, tra cui Jackson Pollock, Mark Rothko e Willem de Kooning. Si incontravano, discutevano e vedevano il modernismo europeo nei musei di New York. Quando scoppiò la guerra, molti grandi artisti europei si rifugiarono in città, tra cui Max Ernst, Piet Mondrian e il capo dei surrealisti André Breton.

Il disegno automatico dei surrealisti, in cui la mano si muove senza controllo cosciente, fu un impulso importante. La collezionista Peggy Guggenheim aprì nel 1942 una galleria a New York e diede a Pollock un contratto. Dopo la guerra i giovani americani avevano trovato un linguaggio proprio: grande, astratto e carico di emozione. Per questo si suole dire che New York prese da Parigi il ruolo di capitale dell’arte. Per saperne di più sul contesto ci sono l’epoca dell’app La Scuola di New York e l’epoca occidentale del secondo dopoguerra.

Action painting: Pollock e de Kooning

Pollock e sua moglie, la pittrice Lee Krasner, si trasferirono nel 1945 a Springs, a Long Island, dove egli lavorava in un granaio. Lì sviluppò nel 1947 la sua tecnica di sgocciolatura e colata. Stendeva sul pavimento una grande tela grezza e lasciava colare e schizzare vernice liquida da bastoni, pennelli e barattoli, mentre si muoveva attorno e sopra l’immagine. Diceva di sentirsi «dentro» il dipinto. Autumn Rhythm del 1950, largo oltre cinque metri, è una fitta rete di linee nere, bianche e brune senza alcun centro.

De Kooning lavorava con il pennello, ma con altrettanta violenza. La sua serie Woman, esposta nel 1953, fa emergere figure femminili dagli occhi sbarrati da ampie pennellate, e suscitò sconcerto in molti, sia perché tornava alla figura sia per il modo in cui la donna era rappresentata. Il critico Harold Rosenberg chiamò nel 1952 action painting questo modo di dipingere: la tela diventava un’arena in cui l’artista agiva, e l’immagine era la traccia dell’azione.

I campi di colore: Rothko, Newman e Frankenthaler

L’altro filone è più calmo ma non meno intenso. Intorno al 1950 Rothko aveva trovato la forma che avrebbe poi mantenuto: due o tre grandi rettangoli dai bordi morbidi e sfumati che fluttuano l’uno sull’altro. In No. 61 (Rust and Blue) del 1953 si incontrano un tono bruno ruggine e uno blu. Dipingeva in molti strati sottili, così che il colore sembra illuminarsi dall’interno, e voleva che ci si mettesse vicino, in modo che l’immagine riempisse il campo visivo. Parlava di tragedia ed estasi, non di forma.

Barnett Newman scrisse nel 1948 il saggio The Sublime Is Now e dipinse grandi campi monocromi divisi da sottili bande verticali. Helen Frankenthaler portò un passo oltre le tele di Pollock stese sul pavimento. In Montagne e mare del 1952 versò colore a olio molto diluito su tela grezza, così che il colore fu assorbito dalla trama e formò campi chiari, quasi acquerellati. Il metodo divenne una base di ciò che si chiama pittura a campi di colore.

Azione o superficie?

I critici erano in disaccordo sul significato dei dipinti. Per Rosenberg erano atti esistenziali. Per Clement Greenberg, Pollock era invece il culmine di una lunga evoluzione in cui la pittura si era depurata di tutto ciò che non le appartiene, finché restavano solo la superficie piatta e il colore. Le idee di Greenberg divennero la critica d’arte dominante negli anni cinquanta. Entrambi i punti di vista sono spiegati nel capitolo di estetica sul secondo dopoguerra.

Gli artisti stessi spesso non erano d’accordo con nessuno dei due. Rothko rifiutava di essere chiamato formalista astratto e sosteneva che i suoi quadri trattavano di emozioni umane fondamentali. Molti di loro non amavano il nome espressionismo astratto. Ciò dice qualcosa del movimento: non aveva un programma comune, solo un tempo, un luogo e un’ambizione in comune.

Le donne, i seguaci e la reazione

Per lungo tempo il movimento è stato descritto come una faccenda maschile, ma le donne ne erano al centro. Lee Krasner era una pittrice di rilievo molto prima di incontrare Pollock, Elaine de Kooning fu sia pittrice sia critica, e Frankenthaler trasformò la pittura dopo Pollock. Negli ultimi anni le loro opere hanno ottenuto molto più spazio nei musei.

Pollock morì in un incidente stradale nel 1956 e intorno al 1960 subentrarono nuove tendenze. Gli artisti pop, come Andy Warhol e Roy Lichtenstein, contrapposero il gesto personale del pennello a immagini stampate tratte dalla pubblicità e dai fumetti, e Lichtenstein dipinse perfino pennellate che sembravano disegnate come in un fumetto. I minimalisti eliminarono del tutto l’emozione. Per saperne di più ci sono le guide sulla pop art e sull’arte astratta.

Cosa osservare

Mettiti prima vicino e poi lontano. In un dripping di Pollock puoi seguire un solo colore, per esempio il bianco, attraverso tutta la rete e vedere come sta sopra o sotto gli altri. Ciò mostra in quale ordine lavorava. In Rothko puoi lasciar riposare lo sguardo sui margini tra i campi, dove il colore si assottiglia e sembra respirare. Pensa anche alle dimensioni. Una riproduzione in un libro o su uno schermo riduce i dipinti a una frazione, e sono proprio le dimensioni a far sì che avvolgano l’osservatore. Confrontali volentieri con l’astrazione europea, come la Composizione VII di Kandinskij del 1913, e leggi la guida Arte da vedere a New York se vuoi vedere le opere sul posto.

Come riconoscerlo

Esercizio

Come chiamò il critico Harold Rosenberg il modo di dipingere di Pollock?