Differenza tra neoclassicismo e romanticismo

La differenza tra neoclassicismo e romanticismo è la differenza tra ragione e sentimento. Il neoclassicismo (1770–1800 circa) cerca la chiarezza dell'antichità, con contorni netti, composizioni calme e una morale da trarre. Il romanticismo (1800–1850 circa) cerca l'infinito e il personale, con colore, movimento, natura e sublime. I due si sovrappongono nel tempo e in parte reagirono l'uno all'altro.

Fatti

Linea contro colore

Il modo più rapido per distinguere gli stili è guardare i contorni. I pittori del neoclassicismo disegnano prima e colorano poi. Ogni figura è nettamente delimitata, come un rilievo in marmo. La superficie è liscia, le pennellate sono appena visibili e la luce è chiara. I romantici lavorano al contrario: il colore costruisce la forma, le pennellate si vedono e i contorni si dissolvono nella luce, nel fumo e nell'ombra.

Lo scontro divenne personale a Parigi. Jean-Auguste-Dominique Ingres, allievo di David, difendeva la linea come fondamento dell'arte. Eugène Delacroix rappresentava il colore e il movimento. I critici li contrapposero per decenni, e la discussione proseguiva una più antica contesa del Seicento tra i sostenitori di Poussin e quelli di Rubens.

Due dipinti, due mondi

Il Giuramento degli Orazi di Jacques-Louis David, del 1784, è l'opera chiave del neoclassicismo. Tre fratelli giurano a braccia tese di combattere per Roma, mentre a destra le donne si accasciano nel dolore. La stanza è una semplice quinta con tre archi, le figure stanno su un piano poco profondo come in un rilievo antico, e tutto è ordinato in gruppi di tre. Il messaggio è chiaro: il dovere verso lo Stato viene prima dei sentimenti privati.

La Libertà che guida il popolo di Delacroix, del 1830, è costruita in modo opposto. Le figure avanzano verso di noi dal fumo, la composizione è una piramide di corpi e bandiere, e il colore brilla di rosso, bianco e blu. Qui non c'è un modello antico, ma un evento della stessa estate, la rivoluzione di luglio a Parigi. Entrambi i dipinti sono al Louvre, e nell'app puoi metterli uno accanto all'altro in Confronta.

La scultura mostra la stessa differenza. Antonio Canova e Bertel Thorvaldsen cercavano un marmo fresco e puro, e il Fauno di Johan Tobias Sergel, del 1774, è una figura antica in riposo, modellata dopo gli studi a Roma.

Le idee di fondo: il bello e il sublime

Il neoclassicismo ricevette il suo programma da Johann Joachim Winckelmann, che nel 1755 descrisse le caratteristiche dell'arte greca come nobile semplicità e quieta grandezza. Gli scavi di Ercolano e Pompei offrirono agli artisti dei modelli, e la fiducia illuminista nella ragione assegnò loro un compito: l'arte doveva educare i cittadini. Approfondisci nel capitolo di estetica sull'Illuminismo.

Il romanticismo trasse da quello stesso secolo un altro concetto. Edmund Burke distinse nel 1757 tra il bello, che è piccolo, liscio e gradevole, e il sublime, che è immenso, oscuro e spaventoso. Immanuel Kant riprese la questione nella Critica del giudizio nel 1790; vedi il capitolo su Kant. I romantici cercavano il sublime nelle tempeste, nelle montagne, nelle rovine e nell'interiorità dell'uomo. Il capitolo sul romanticismo mostra come filosofi e poeti assegnarono all'artista il ruolo di genio che crea da sé.

Forme intermedie: Géricault e Goya

Due artisti mostrano quanto gli stili potessero essere vicini. Théodore Géricault si formò nella tradizione classica e disegnava i corpi come se fossero tratti dalla scultura antica. Eppure per il suo grande dipinto La zattera della Medusa, del 1819, scelse uno scandalo contemporaneo, un naufragio francese in cui i sopravvissuti andarono alla deriva per giorni su una zattera. Le figure sono costruite come nudi neoclassici, ma il soggetto, l'orrore e la diagonale ascendente verso una nave all'orizzonte sono romanticismo.

Francisco de Goya fu pittore di corte a Madrid e cominciò in uno spirito illuminato e classico. Con le acqueforti dei Capricci del 1799 e le immagini di guerra, tra cui Il 3 maggio 1808, passò a qualcosa di completamente diverso: buio, violenza e incubo, senza eroi e senza conforto. Viene di solito considerato una delle figure di spicco del romanticismo, pur non appartenendo ad alcuna scuola.

La sovrapposizione

Gli stili non si danno il cambio con una data precisa. Già nel 1781 Johann Heinrich Füssli dipinse il suo Incubo, una donna addormentata con un demone sul petto, in pieno splendore del neoclassicismo. William Blake creò le sue immagini visionarie mentre Canova scolpiva le sue dee. Al contrario, Ingres mantenne la linea neoclassica fino a ben dentro l'Ottocento.

Anche il neoclassicismo poteva essere emotivo. La morte di Marat di David, del 1793, è insieme severa e profondamente commovente. E i romantici potevano scegliere soggetti antichi; la differenza stava nel modo in cui erano dipinti. Per questo è più saggio parlare di due atteggiamenti che di due periodi.

In Svezia e nell'architettura

In Svezia al neoclassicismo corrisponde l'epoca gustaviana, con Sergel come grande scultore e una corte che guardava a Parigi e a Roma. Dopo il 1809 arrivò il romanticismo, con l'interesse per la storia dell'antico Nord, la poesia popolare e la natura svedese, per esempio nei paesaggi di Carl Johan Fahlcrantz.

L'architettura segue lo stesso schema. Il neoclassicismo costruì facciate a tempio, linee rette e volumi puri, mentre il romanticismo riscoprì il Medioevo e il gotico. Vedi la guida sul neoclassicismo in architettura e leggi di ciascuno stile a parte nelle guide sul neoclassicismo nell'arte e sul romanticismo.

Come distinguerli

Esercizio

Un dipinto ha contorni netti, una pennellata quasi invisibile e un soggetto tratto dalla storia di Roma. Di che stile è probabilmente?