Von der Gotik zur Renaissance – der Unterschied in der Malerei

Der Unterschied zwischen Gotik und Renaissance in der Malerei liegt in der Auffassung von Raum und Mensch. Die gotische Kunst (um 1150–1400) stellt heilige Figuren vor einen Goldgrund, macht die wichtigsten am größten und erzählt mit Zeichen. Die Malerei der Renaissance (ab etwa 1420) baut mit der Zentralperspektive einen Raum auf, verleiht den Figuren Gewicht, Anatomie und Schatten und setzt sie in eine wirkliche Landschaft. Der Übergang begann um 1305 mit Giotto und war mit Raffaels „Schule von Athen“ 1511 vollendet.

Fakten

Gotik: Gold, Zeichen und Bedeutung

Die gotische Malerei in Italien fand sich auf Altarbildern, in Handschriften und an Kirchenwänden. Maler wie Cimabue und Duccio malten die thronende Madonna vor einem Hintergrund aus Blattgold. Das Gold war kein Himmel, sondern ein Zeichen des Göttlichen, ein Licht, das zu keinem Ort gehört. Der Raum ist flach, und die Figuren stehen eher auf den Schultern der anderen als hinter ihnen.

Die wichtigsten Personen wurden am größten gemalt, Maria größer als die Heiligen und die Heiligen größer als die Stifter. Das heißt Bedeutungsperspektive. Die Figuren sind schmal, mit langen, weichen Falten, und ihre Körper haben wenig Gewicht. Das Bild sollte nicht wie die Wirklichkeit aussehen, sondern eine höhere Wirklichkeit zeigen, und man las es mithilfe von Attributen und Gesten. Siehe die Epoche Gotik.

Giotto: der erste Schritt

Um 1305 malte Giotto die Kapelle in Padua mit Szenen aus dem Leben Marias und Christi. In der „Beweinung Christi“ sitzen Menschen um den toten Christus und trauern wirklich. Sie beugen sich, werfen die Arme aus, weinen. Zwei Figuren sitzen mit dem Rücken zu uns, sodass wir fast selbst im Kreis sitzen. Die Körper haben Gewicht, und die Gewänder fallen in großen Falten über sie.

Der Hintergrund ist noch keine richtige Landschaft, und der Himmel ist flaches Blau. Doch Giotto gab der Malerei Menschen aus Fleisch und Blut, und seine Zeitgenossen begriffen, dass etwas Neues geschehen war. Deshalb steht er an der Grenze: zeitlich gotisch, aber Vorbild der Renaissance. Er malte in echter Freskotechnik; mehr dazu im Ratgeber über Fresko, Tempera und Öl.

Die Perspektive: ein Raum zum Hineingehen

Der entscheidende Schritt gelang in Florenz in den 1420er-Jahren. Der Architekt Filippo Brunelleschi zeigte, wie sich alle in die Tiefe führenden Linien in einem einzigen Punkt treffen, dem Fluchtpunkt, und Masaccio wandte das Verfahren im Fresko „Die Heilige Dreifaltigkeit“ in Santa Maria Novella um 1427 an. Dort scheint sich die Wand zu einer tonnengewölbten Kapelle zu öffnen. Leon Battista Alberti schrieb 1435 das Buch „Über die Malkunst“, in dem er das Bild als Fenster zur Welt beschrieb.

Mit der Perspektive wurde die Größe eine Frage der Entfernung, nicht der Bedeutung. Was weit entfernt ist, wird klein gemalt, auch wenn es ein Heiliger ist. Die Erklärgrafik unten zeigt, wie die Fluchtpunkte funktionieren, und Kunst betrachten: Perspektive sowie der Ratgeber über die Zentralperspektive gehen tiefer.

Renaissance: Körper, Antike und Landschaft

Die Maler der Renaissance studierten Anatomie und antike Skulptur, um den Körper richtig wiederzugeben. Sie bauten Volumen mit Licht und Schatten auf, und der Hintergrund wurde zu einer Landschaft mit Luft und Tiefe. Die Motive weiteten sich: Neben Bibel und Heiligen kamen antike Mythen, wie in Botticellis „Geburt der Venus“ von etwa 1485, und Porträts wirklicher Menschen.

Den Höhepunkt bildet Raffaels „Schule von Athen“ von 1511, in der die Philosophen der Antike in einer gewaltigen Architektur stehen, mit Perspektivlinien, die sich zwischen Platon und Aristoteles treffen. Kein Gold, keine großen und kleinen Figuren nach Rang, nur Menschen in einem Raum, der hinter der Wand weiterzugehen scheint. Lies Was ist die Renaissance?

Im Norden und in Schweden

In Flandern verlief die Erneuerung anders. Jan van Eyck kannte keine mathematische Perspektive, konnte aber mit der Ölfarbe Licht auf Metall, Glas und Pelz so genau wiedergeben, dass der Raum in der „Arnolfini-Hochzeit“ von 1434 wirklich erscheint. Die Formen, mit Spitzbögen und langen Falten, sind noch gotisch; die Beobachtung ist bereits neu.

In Schweden dauerte die Gotik lange. Als Botticelli die „Geburt der Venus“ malte, bemalte Albertus Pictor Gewölbe in den Kirchen des Mälartals, mit flachen Figuren und klaren Konturen, wie in „Der Tod spielt Schach“ in Täby. Und Bernt Notkes „Sankt Georg und der Drache“ in der Storkyrkan von 1489 ist Spätgotik in ihrer dramatischsten Form. Siehe Schwedisches Mittelalter und den Ratgeber über die Teile des Flügelaltars.

Auf den Unterschied achten

Beginne mit dem Hintergrund. Ist er golden oder wie eine Wand gemustert, ist das Bild wahrscheinlich gotisch. Ist es eine Landschaft mit Horizont oder ein Raum mit einem Boden, der in die Tiefe führt, stammt es wahrscheinlich aus der Renaissance. Achte dann auf die Größen: Sind die wichtigsten Figuren größer als die anderen, obwohl sie gleich nah stehen?

Achte zuletzt auf die Körper. Stehen die Figuren leicht auf Zehenspitzen, ohne Gewicht, mit geschwungenen Körpern und langen Falten, ist es Gotik. Haben sie Gewicht, stehen sie auf dem Boden, den Körper auf ein Bein gestützt, und werfen sie Schatten, ist es Renaissance. Derselbe Übergang zeigt sich in der Architektur; lies Romanische und gotische Architektur, und in Florenz kannst du den ganzen Weg nachvollziehen; siehe Kunst in Florenz sehen.

So unterscheidest du sie

Übung

Was bedeutet Bedeutungsperspektive in der gotischen Kunst?