Del gótico al Renacimiento: la diferencia en la pintura

La diferencia entre el gótico y el Renacimiento en la pintura es la visión del espacio y del ser humano. El arte gótico (h. 1150–1400) coloca figuras sagradas sobre fondo dorado, hace más grandes a las más importantes y narra con signos. La pintura renacentista (desde h. 1420) construye un espacio con perspectiva central, da a las figuras peso, anatomía y sombras y las sitúa en un paisaje real. La transición empezó con Giotto hacia 1305 y se completó con «La escuela de Atenas» de Rafael en 1511.

Datos

El gótico: oro, signos y significado

La pintura gótica en Italia se encontraba en retablos, manuscritos y muros de iglesias. Pintores como Cimabue y Duccio pintaban a la Virgen entronizada sobre un fondo de pan de oro. El oro no era un cielo, sino un signo de lo divino, una luz que no pertenece a ningún lugar. El espacio es poco profundo y las figuras se sitúan unas sobre los hombros de otras más que unas detrás de otras.

Las personas más importantes se pintaban más grandes: María más que los santos y los santos más que los donantes. Eso se llama perspectiva jerárquica. Las figuras son esbeltas, con pliegues largos y suaves, y sus cuerpos tienen poco peso. La imagen no debía parecerse a la realidad, sino mostrar una realidad superior, y se leía con ayuda de atributos y gestos. Véase la época el gótico.

Giotto: el primer paso

Hacia 1305, Giotto pintó la capilla de Padua con escenas de la vida de María y de Cristo. En La lamentación sobre Cristo muerto, las personas se sientan alrededor de Cristo muerto y su duelo es real. Se inclinan, extienden los brazos, lloran. Dos figuras están sentadas de espaldas a nosotros, de modo que casi nos sentamos nosotros mismos en el círculo. Los cuerpos tienen peso y la ropa cae sobre ellos en grandes pliegues.

El fondo todavía no es un verdadero paisaje, y el cielo es un azul plano. Pero Giotto dio a la pintura personas de carne y hueso, y sus contemporáneos comprendieron que había ocurrido algo nuevo. Por eso está en la frontera: gótico en el tiempo, pero modelo del Renacimiento. Pintó en fresco auténtico; más en la guía sobre el fresco, el temple y el óleo.

La perspectiva: un espacio en el que entrar

El paso decisivo se dio en Florencia en la década de 1420. El arquitecto Filippo Brunelleschi mostró cómo todas las líneas que entran en profundidad se encuentran en un único punto, el punto de fuga, y Masaccio usó el método en el fresco de la «Trinidad» en Santa Maria Novella, hacia 1427. Allí la pared parece abrirse hacia una capilla con bóveda de cañón. Leon Battista Alberti escribió en 1435 el libro «De la pintura», donde describió la imagen como una ventana al mundo.

Con la perspectiva, el tamaño pasó a ser cuestión de distancia, no de importancia. Lo que está lejos se pinta pequeño, aunque sea un santo. La ilustración explicativa de abajo muestra cómo funcionan los puntos de fuga, y Aprender a ver el arte: la perspectiva y la guía sobre la perspectiva central profundizan más.

El Renacimiento: cuerpos, Antigüedad y paisaje

Los pintores del Renacimiento estudiaron anatomía y escultura antigua para representar bien el cuerpo. Construían el volumen con luz y sombra, y el fondo se convirtió en un paisaje con aire y distancia. Los temas se ampliaron: además de la Biblia y los santos llegaron los mitos antiguos, como en el Nacimiento de Venus de Botticelli, de hacia 1485, y los retratos de personas reales.

La cumbre es La escuela de Atenas de Rafael, de 1511, donde los filósofos antiguos se encuentran en una arquitectura enorme con líneas de perspectiva que convergen entre Platón y Aristóteles. Nada de oro, nada de grandes y pequeños según el rango, solo personas en un espacio que parece continuar tras la pared. Lee ¿Qué es el Renacimiento?

En el norte y en Suecia

En Flandes la renovación ocurrió de otra manera. Jan van Eyck no tenía perspectiva matemática, pero con la pintura al óleo podía reproducir la luz sobre metal, vidrio y piel con tanta exactitud que el espacio de El matrimonio Arnolfini, de 1434, resulta real. Las formas, con arcos apuntados y pliegues largos, todavía son góticas; la observación ya es nueva.

En Suecia el gótico duró mucho. Cuando Botticelli pintó el nacimiento de Venus, Albertus Pictor pintaba bóvedas en las iglesias de la región del Mälaren, con figuras planas y contornos claros, como La muerte jugando al ajedrez en Täby. Y el San Jorge y el dragón de Bernt Notke en la catedral de Estocolmo (Storkyrkan), de 1489, es gótico tardío en su forma más dramática. Véanse La Edad Media sueca y la guía sobre las partes del retablo.

Mira la diferencia

Empieza por el fondo. Si es oro, o está estampado como una pared, la imagen es probablemente gótica. Si es un paisaje con horizonte o una habitación con un suelo que se adentra en profundidad, probablemente es del Renacimiento. Mira después los tamaños: ¿son las figuras más importantes mayores que las demás, aunque estén igual de cerca?

Mira por último los cuerpos. Si las figuras se apoyan ligeramente de puntillas, sin peso, con cuerpos curvados y pliegues largos, es gótico. Si tienen peso, se apoyan en el suelo con el cuerpo descansando sobre una pierna y proyectan sombra, es Renacimiento. La misma transición se ve en la arquitectura; lee arquitectura románica y gótica, y en Florencia puedes ver todo el camino; véase Arte que ver en Florencia.

Cómo distinguirlos

Ejercicio

¿Qué significa perspectiva jerárquica en el arte gótico?