Japonismo: cuando Japón transformó el arte y el diseño europeos

El japonismo es la fuerte influencia del arte y las artes aplicadas japoneses en el arte y el diseño europeos y estadounidenses tras la apertura de Japón al comercio en la década de 1850. Los grabados, la cerámica y los tejidos japoneses mostraron un nuevo universo visual: campos de color planos, encuadres audaces, asimetría y temas cotidianos. Los impresionistas, van Gogh, Whistler y los diseñadores del modernismo se vieron todos influidos por él.

Datos

Un país que se abrió

Durante el periodo Edo, Japón estuvo en gran medida cerrado al comercio occidental; solo los holandeses podían comerciar, a través de una pequeña isla en Nagasaki. Cuando barcos estadounidenses forzaron un tratado en 1854 y siguieron varios tratados comerciales en 1858, los objetos japoneses empezaron a llegar a raudales a Europa y Estados Unidos. Eran porcelanas, lacas, tejidos, abanicos y grabados en color baratos.

Las exposiciones universales causaron gran impresión. En Londres, en 1862, se exhibió una colección de objetos japoneses, y en París, en 1867, Japón participó con un pabellón propio. Tiendas de París y Londres vendían artículos japoneses, y los artistas empezaron a coleccionar grabados. El crítico francés Philippe Burty acuñó en 1872 la palabra japonisme para el nuevo gusto.

Lo que aprendieron los artistas

El arte europeo había construido sus imágenes desde el Renacimiento sobre la perspectiva central, el sombreado y un centro claro. En los grabados japoneses, el ukiyo-e, había algo completamente distinto: campos de color planos con contornos negros, un horizonte alto, figuras cortadas por el borde de la imagen, superficies vacías y un primer plano que se abre paso en la imagen, como una rama o un poste.

Eso coincidía con lo que muchos pintores jóvenes ya buscaban. Querían alejarse de las imágenes oscuras y sombreadas de la academia y captar la vida moderna, lo instantáneo y lo cotidiano. Las imágenes japonesas mostraban que una imagen podía ser decorativa y a la vez viva, sencilla y a la vez audaz.

Los impresionistas y Whistler

Claude Monet coleccionaba grabados japoneses y los tenía en las paredes de su casa de Giverny, donde también hizo construir un puente japonés sobre el estanque de nenúfares. En 1876 pintó a su esposa Camille con un kimono japonés rojo. Edgar Degas aprendió de los grabados a recortar, a ver la escena en diagonal desde arriba y a dejar que superficies vacías de suelo sostuvieran la imagen, como en La clase de danza.

Mary Cassatt vio en París, en 1890, una gran exposición de grabados japoneses y realizó después una serie de grabados en color de mujeres en la vida cotidiana, con patrones planos y líneas claras. El estadounidense James McNeill Whistler, establecido en Londres, pintó mujeres con kimono rodeadas de porcelanas, dio a sus cuadros títulos musicales y decoró la célebre Sala de los Pavos Reales en azul y oro. Sus nocturnos del Támesis aprendieron de los puentes y la niebla de Hiroshige.

Van Gogh: Japón como sueño

Vincent van Gogh compró cientos de grabados japoneses en París y los expuso en un café en 1887. Ese mismo año copió al óleo dos estampas de Hiroshige de Cien famosas vistas de Edo, un ciruelo en flor y un puente bajo la lluvia, este último a partir de Aguacero repentino sobre el puente Shin-Ōhashi. Intensificó los colores y pintó bordes con caracteres japoneses que tomó de otras estampas.

Cuando se trasladó a Arlés, en el sur de Francia, en 1888, escribió a su hermano que quería ver el paisaje con ojos japoneses. Los colores claros, los contornos negros y las superficies planas de su pintura tardía son en parte lecciones japonesas; compáralo con la guía sobre el posimpresionismo. También Paul Gauguin y su círculo se vieron influidos por las superficies planas de las imágenes japonesas.

Carteles, vidrio y modernismo

La influencia fue igual de grande en el diseño. El marchante Siegfried Bing, en París, vendía objetos japoneses y publicó en 1888–1891 la revista Le Japon artistique; su tienda Maison de l’Art Nouveau, abierta en 1895, dio nombre a todo un estilo. Henri de Toulouse-Lautrec convirtió las figuras de sus carteles en siluetas de colores planos, como en un grabado, y Alfons Mucha hizo serpentear sus líneas a su alrededor.

Émile Gallé hizo vidrio con motivos japoneses como libélulas y plantas, y en Estados Unidos Louis Comfort Tiffany se inspiró en el mismo universo visual. El diseñador Christopher Dresser viajó a Japón en 1876–1877 y fue uno de los primeros diseñadores europeos que estudiaron la artesanía japonesa in situ. Puedes leer más en la sección de diseño sobre el modernismo, en la guía sobre el art nouveau y el art déco y en la historia del diseño japonés durante la era Meiji, cuando Japón mismo empezó a fabricar para el mercado occidental.

Cómo reconocer el japonismo

Busca primero los objetos: abanicos, kimonos, biombos, porcelanas y grabados en la pared del fondo. Fíjate después en la forma. Si la imagen está recortada de modo que las figuras quedan cortadas por el borde, si el horizonte es alto, si hay grandes superficies vacías y campos de color planos con contornos claros, y si la composición es asimétrica, la influencia japonesa es probable.

El japonismo decayó después de 1900, pero dejó un legado duradero. La imagen plana y decorativa condujo al fauvismo y al arte abstracto, y la sencillez japonesa volvió a ser importante para la arquitectura y el diseño del siglo XX. Lee también la guía sobre el impresionismo.

Cómo reconocerlo

Ejercicio

¿Cuál de estos artistas copió al óleo un grabado de Hiroshige?