La diferencia entre impresionismo y posimpresionismo

La diferencia entre impresionismo y posimpresionismo es que los impresionistas (desde 1874) querían captar la luz y el color de un instante tal como los percibe el ojo, con pinceladas rápidas y ligeras, mientras que los posimpresionistas (desde h. 1886) conservaron los colores claros pero querían algo más: forma sólida y orden en Cézanne y Seurat, sentimiento y simbolismo en Van Gogh y Gauguin. El impresionismo fue un movimiento común; el posimpresionismo nunca fue un grupo, sino un nombre colectivo para quienes siguieron adelante.

Datos

Impresionismo: pintar lo que ve el ojo

Los impresionistas expusieron juntos por primera vez en París en 1874, y el nombre procede de Impresión, sol naciente, de Monet: el puerto de El Havre en la bruma matinal, pintado con unos pocos trazos rápidos. El grupo quería alejarse de las sombras pardas del taller y de los motivos narrativos. Pintaban a menudo al aire libre, en plein air, e intentaban captar la luz de ese preciso momento: el sol sobre el agua, las sombras sobre la nieve, el humo sobre una estación de ferrocarril.

Las pinceladas son cortas y visibles, los colores claros y a menudo impuros en los bordes, y las sombras son azules o violetas más que negras. Los motivos son cotidianos: parques, cafés, ríos, la familia. A ello pertenecen La cuna, de Berthe Morisot, y obras de Renoir, Pissarro y Degas. Más información en la guía sobre el impresionismo.

Posimpresionismo: algo más que el instante

Durante la década de 1880, varios artistas que habían aprendido del impresionismo empezaron a sentirse insatisfechos con él. El instante no bastaba. Las imágenes se disolvían en luz y perdían peso, y no decían nada de lo que el artista sentía o pensaba. La palabra posimpresionismo se acuñó a posteriori, por el crítico inglés Roger Fry para una exposición en Londres en 1910, y significa simplemente después del impresionismo.

Por eso el posimpresionismo no es un estilo con reglas comunes. Tiene dos grandes caminos. Uno busca orden y estructura: Seurat con sus puntos y Cézanne con sus formas construidas. El otro busca expresión y símbolo: Van Gogh con sus trazos arremolinados y Gauguin con sus campos de color planos e intensos. Véase la guía sobre el posimpresionismo.

Luz frente a forma: Monet y Cézanne

Cézanne expuso con los impresionistas en 1874, pero quería, como se suele citar, hacer del impresionismo algo sólido y duradero, como el arte de los museos. Donde Monet disolvía una catedral en luz, Cézanne construía la ladera de una montaña con manchas de color colocadas como ladrillos. En Los jugadores de cartas, los dos campesinos son formas sencillas y sólidas, y la botella del centro divide la imagen en dos mitades especulares. No ocurre nada, todo está quieto.

Coloca La cuna junto a Los jugadores de cartas en Comparar. Morisot capta un instante: el velo sobre la cuna son unos pocos trazos blancos y ligeros, y uno cree que la madre acaba de inclinarse hacia delante. Cézanne construye un estado: los hombres podrían llevar horas sentados allí. Ambas son luminosas y modernas, pero quieren cosas completamente distintas.

El punto: Monet y Seurat

Los impresionistas solían colocar colores puros uno junto a otro en lugar de mezclarlos en la paleta, para que se mezclaran en el ojo. Pero lo hacían de forma intuitiva, rápida y en el lugar. Georges Seurat lo convirtió en un método. Leyó las teorías del color de su tiempo y construyó Un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte con miles de pequeños puntos a lo largo de casi dos años, en el taller. La obra se mostró en la octava y última exposición impresionista, en 1886, y marca la frontera entre las dos épocas.

Compárala con Impresión, sol naciente en Comparar. La imagen de Monet es un instante en la bruma; la de Seurat es un mundo cuidadosamente ordenado, casi inmóvil, donde cada figura está de perfil o de frente. La ilustración explicativa de abajo muestra la diferencia entre el color mezclado en la paleta y el mezclado en el ojo. Más información en la guía sobre el puntillismo y en Aprender a ver el arte: el color.

Sentimiento y símbolo: Van Gogh y Gauguin

Van Gogh llegó a París en 1886 y adoptó los colores claros de los impresionistas, pero los usó para expresar sentimiento. En La noche estrellada, el cielo se arremolina y el ciprés arde como una llama; las pinceladas siguen las formas y dan a la imagen un movimiento que no existe en la realidad. Gauguin tomó otro rumbo: pintó campos de color planos con contornos oscuros, inspirados en las vidrieras medievales y los grabados japoneses en madera, y buscó un mundo más sencillo y espiritual en Bretaña y en Tahití.

Así, el posimpresionismo apunta hacia el siglo XX. Cézanne fue un modelo para los cubistas, Seurat para los experimentos abstractos con el color, y Van Gogh y Gauguin para los fauvistas y los expresionistas. La guía impresionismo y expresionismo sigue ese hilo.

En Suecia y cómo distinguirlos

Los artistas suecos en París siguieron el mismo camino. La hora del desayuno, de Hanna Pauli, de 1887, es pintura al aire libre en el espíritu del impresionismo, con reflejos del sol sobre un mantel blanco. Casi diez años después, el príncipe Eugenio pintó La nube, donde una enorme nube sobre un paisaje oscuro se convierte en una atmósfera y casi en un símbolo. Más sobre los Opositores suecos.

Una regla sencilla: pregunta qué quería captar el pintor. Si es la luz de este preciso momento, con trazos rápidos, probablemente es impresionismo. Si es la forma, el orden, el efecto del color o un sentimiento que no se ve en el motivo, probablemente es posimpresionismo. Si confundes los nombres Monet y Manet, lee también ¿Monet o Manet? Las épocas tienen páginas propias: el impresionismo y el posimpresionismo y el simbolismo.

Cómo distinguirlos

Ejercicio

¿Qué pintura suele considerarse la frontera entre el impresionismo y el posimpresionismo?