Diferencia entre neoclasicismo y romanticismo

La diferencia entre neoclasicismo y romanticismo es la diferencia entre razón y sentimiento. El neoclasicismo (h. 1770–1800) busca la claridad de la Antigüedad, con contornos nítidos, composiciones serenas y una moraleja que aprender. El romanticismo (h. 1800–1850) busca lo infinito y lo personal, con color, movimiento, naturaleza y lo sublime. Ambos se solapan en el tiempo y reaccionaron en parte el uno al otro.

Datos

Línea frente a color

La manera más rápida de distinguir los estilos es fijarse en los contornos. Los pintores del neoclasicismo dibujan primero y colorean después. Cada figura queda claramente delimitada, como un relieve de mármol. La superficie es lisa, las pinceladas apenas se ven y la luz es clara. Los románticos trabajan al revés: el color construye la forma, las pinceladas se ven y los contornos se disuelven en luz, humo y sombra.

El contraste se volvió personal en París. Jean-Auguste-Dominique Ingres, discípulo de David, defendió la línea como fundamento del arte. Eugène Delacroix representó el color y el movimiento. Los críticos los enfrentaron durante décadas, y la discusión prolongaba una antigua disputa del siglo XVII entre los partidarios de Poussin y los de Rubens.

Dos pinturas, dos mundos

El juramento de los Horacios de Jacques-Louis David, de 1784, es la obra clave del neoclasicismo. Tres hermanos juran con los brazos extendidos luchar por Roma, mientras las mujeres, a la derecha, se hunden en el dolor. El espacio es un decorado sencillo con tres arcos, las figuras se sitúan en un plano poco profundo, como en un relieve antiguo, y todo se ordena en grupos de tres. El mensaje es claro: el deber hacia el Estado está por encima de los sentimientos privados.

La libertad guiando al pueblo de Delacroix, de 1830, está construida de forma opuesta. Las figuras avanzan hacia nosotros desde el humo, la composición es una pirámide de cuerpos y banderas, y el color arde en rojo, blanco y azul. Aquí no hay modelo antiguo, sino un acontecimiento de ese mismo verano, la revolución de julio en París. Ambas pinturas cuelgan en el Louvre, y en la aplicación puedes colocarlas una junto a otra en Comparar.

La escultura muestra la misma diferencia. Antonio Canova y Bertel Thorvaldsen buscaban un mármol frío y puro, y el Fauno de Johan Tobias Sergel, de 1774, es una figura antigua en reposo, modelada a partir de estudios en Roma.

Las ideas de fondo: lo bello y lo sublime

El neoclasicismo recibió su programa de Johann Joachim Winckelmann, quien en 1755 describió el rasgo del arte griego como noble sencillez y serena grandeza. Las excavaciones de Herculano y Pompeya dieron modelos a los artistas, y la fe de la Ilustración en la razón les dio una tarea: el arte debía educar a los ciudadanos. Lee más en el capítulo de estética sobre la Ilustración.

El romanticismo tomó otro concepto del mismo siglo. Edmund Burke distinguió en 1757 entre lo bello, que es pequeño, liso y agradable, y lo sublime, que es inmenso, oscuro y aterrador. Immanuel Kant retomó la cuestión en su Crítica del juicio en 1790; consulta el capítulo sobre Kant. Los románticos buscaron lo sublime en tormentas, montañas, ruinas y en el interior del ser humano. El capítulo sobre el romanticismo muestra cómo filósofos y poetas dieron al artista el papel de genio que crea desde sí mismo.

Formas intermedias: Géricault y Goya

Dos artistas muestran lo cerca que podían estar los estilos. Théodore Géricault se formó en la tradición clásica y dibujaba cuerpos como sacados de la escultura antigua. Aun así, para su gran pintura La balsa de la Medusa, de 1819, eligió un escándalo contemporáneo: un naufragio francés en el que los supervivientes estuvieron a la deriva durante días sobre una balsa. Las figuras están construidas como desnudos neoclásicos, pero el tema, el horror y la diagonal ascendente hacia un barco en el horizonte son puro romanticismo.

Francisco de Goya fue pintor de la corte en Madrid y comenzó con un espíritu ilustrado y clásico. Con los grabados de Los caprichos, de 1799, y las imágenes de guerra, entre ellas El 3 de mayo de 1808, pasó a algo completamente distinto: oscuridad, violencia y pesadilla, sin héroes y sin consuelo. Suele considerarse una de las figuras precursoras del romanticismo, aunque no perteneció a ninguna escuela.

El solapamiento

Los estilos no se suceden con un año preciso. Ya en 1781 Johann Heinrich Füssli pintó su Pesadilla, una mujer dormida con un demonio sobre el pecho, en pleno apogeo del neoclasicismo. William Blake creó sus imágenes visionarias al mismo tiempo que Canova tallaba sus diosas. A la inversa, Ingres mantuvo la línea neoclásica hasta bien entrado el siglo XIX.

Incluso el neoclasicismo podía ser emotivo. La muerte de Marat de David, de 1793, es a la vez severa y profundamente conmovedora. Y los románticos podían elegir temas antiguos; la diferencia estaba en cómo se pintaban. Por eso es más prudente hablar de dos actitudes que de dos periodos.

En Suecia y en la arquitectura

En Suecia, la época gustaviana corresponde al neoclasicismo, con Sergel como gran escultor y una corte que miraba hacia París y Roma. Después de 1809 llegó el romanticismo, con interés por la historia nórdica antigua, la poesía popular y la naturaleza sueca, entre otros en los paisajes de Carl Johan Fahlcrantz.

La arquitectura sigue el mismo patrón. El neoclasicismo construyó frontones de templo, líneas rectas y volúmenes puros, mientras que el romanticismo redescubrió la Edad Media y el gótico. Consulta la guía sobre el neoclasicismo en la arquitectura, y lee sobre cada estilo por separado en las guías sobre el neoclasicismo en el arte y el romanticismo.

Cómo distinguirlos

Ejercicio

Una pintura tiene contornos nítidos, una pincelada casi invisible y un tema de la historia de Roma. ¿De qué estilo es probablemente?