Qu’est-ce que le modernisme en art ? Idées, artistes et œuvres

Le modernisme désigne l’ensemble des mouvements artistiques qui, des années 1860 aux années 1960, ont rompu avec les règles de l’académie sur les modèles, la perspective et le fini. Les artistes ont exploré les moyens propres de la peinture – couleur, forme et surface – et cherché de nouvelles manières de représenter le monde moderne.

Faits

La rupture avec l’académie

Au XIXe siècle, l’académie de Paris décidait de ce qu’était le bon art : des sujets historiques, une touche lisse et une profondeur illusionniste. En 1863, le jury refusa tant d’œuvres que l’empereur Napoléon III fit organiser un Salon des refusés. La même année, Édouard Manet peignit Olympia, une femme nue qui regarde le spectateur droit dans les yeux au lieu de jouer une figure mythologique. Lorsque le tableau fut montré au Salon en 1865, il provoqua un tollé, et beaucoup y voient le point de départ du modernisme. Dès 1855, Gustave Courbet avait fait construire son propre pavillon pour ses œuvres, en marge de l’Exposition universelle de Paris, signe que les artistes commençaient à prendre position contre les institutions officielles.

Peu après, les impressionnistes laissèrent la lumière et l’instant guider leur pinceau, et Paul Cézanne se mit à construire l’image à partir de formes géométriques et de plans de couleur. Sa série Les Joueurs de cartes, des années 1890, montre comment il simplifiait le motif pour rendre visible la structure du tableau.

L’art libéré du sujet

Après 1900, les choses allèrent vite. Les fauves abandonnèrent la couleur naturaliste, et Pablo Picasso et Georges Braque décomposèrent le motif dans le cubisme. Vers 1910, Vassily Kandinsky peignit parmi les premiers tableaux sans aucun sujet reconnaissable, et l’art abstrait devint un langage à part entière.

Piet Mondrian poussa l’idée le plus loin dans Composition en rouge, bleu et jaune, où ne restent que des lignes droites et des couleurs primaires. Au même moment, Marcel Duchamp posait une tout autre question en envoyant à une exposition, en 1917, un urinoir, Fontaine : qui décide de ce qui est de l’art ?

Les idées sous-jacentes

Le modernisme était porté par la foi dans le progrès et dans le nouveau. Manifestes et groupes d’artistes devinrent un moyen d’attirer l’attention, et l’avant-garde se voyait comme une troupe d’éclaireurs montrant la voie. En 1960, le critique Clement Greenberg décrivit la peinture moderniste comme un art qui attire l’attention sur ses propres moyens, par exemple la planéité du tableau.

Le mouvement ne concernait pas que la peinture. L’école du Bauhaus voulait unir art, artisanat et industrie, et ses idées survivent en architecture et en design ; voir le guide sur le Bauhaus. Le Museum of Modern Art de New York, ouvert en 1929, devint l’une des principales institutions pour montrer et expliquer le nouvel art.

La fin et l’héritage

Après la Seconde Guerre mondiale, le centre de gravité passa de Paris à New York. Des expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock peignirent d’immenses toiles gestuelles et devinrent les symboles de l’art de l’après-guerre ; voir l’après-guerre. Dans les années 1960, les artistes commencèrent à contester le sérieux et la pureté du modernisme, et le pop art, l’art conceptuel et le minimalisme ouvrirent la voie à ce qu’on appelle souvent le postmodernisme.

Le modernisme n’est pourtant pas achevé en tant qu’idée. Beaucoup de ses questions – qu’est-ce qu’une image, qui décide de ce qui est de l’art – sont toujours posées, et il a façonné notre regard sur les musées, les affiches comme les meubles. Dans le même temps, les galeries, les collectionneurs privés et les revues devinrent plus importants pour les artistes que les commandes de l’académie, un changement qui marque encore le monde de l’art.

Comment le reconnaître

Exercice

Quelle œuvre est souvent considérée comme le point de départ du modernisme ?