Die wichtigsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts

Zu den wichtigsten Kunstwerken des 20. Jahrhunderts zählen Picassos „Les Demoiselles d’Avignon“ (1907), die den Weg zum Kubismus öffneten, Hilma af Klints „Die zehn Größten“ (1907), Duchamps „Fountain“ (1917), Picassos „Guernica“ (1937), Pollocks „Autumn Rhythm“ (1950), Warhols „Campbell’s Soup Cans“ (1962) und Smithsons „Spiral Jetty“ (1970). Jedes von ihnen veränderte, was Kunst sein konnte: wie ein Bild aufgebaut wird, was es darstellen darf und ob es überhaupt ein Bild sein muss.

Fakten

1905–1918: Die Avantgarde sprengt das Bild

Das Jahrhundert beginnt mit „Les Demoiselles d’Avignon“, die Picasso 1907 in Paris malte. Fünf Frauen werden in kantige Flächen zerlegt und gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln gezeigt, zwei von ihnen haben maskenhafte Gesichter. Das Gemälde schockierte selbst seine Freunde und bahnte den Weg für den Kubismus. Im selben Jahr malte Hilma af Klint in Stockholm „Die zehn Größten“, über drei Meter hohe Bilder über die Lebensalter des Menschen mit Spiralen und Blütenformen, die sie vor der Öffentlichkeit verborgen hielt.

Matisses „Der Tanz“ von 1910 macht aus drei Farben und fünf roten Körpern einen Ring aus Bewegung, und Kandinskys „Komposition VII“ von 1913 ist ein Gewirr aus Farben und Linien ohne Gegenstand. Der Russe Kasimir Malewitsch ging am weitesten und zeigte 1915 ein schwarzes Quadrat auf weißem Grund. In Stockholm malte Sigrid Hjertén 1916 ihr „Atelierinterieur“ in kräftigen, flächigen Farben. Mehr dazu in der Epoche Avantgarde der App.

1917: Ein Objekt wird zu Kunst

Im Jahr 1917 reichte Marcel Duchamp ein Urinal für eine Ausstellung in New York ein, auf die Seite gedreht und mit „R. Mutt“ signiert. „Fountain“ wurde abgelehnt, und das Original ging verloren, doch die Frage, die es stellte, prägt die Kunst bis heute: Kann ein fertiges Objekt Kunst sein, und wer entscheidet das? In einer Umfrage unter Kunstexperten 2004 wurde es zum einflussreichsten modernen Kunstwerk gewählt. Lies den Ratgeber Was ist ein Readymade?

Zwischenkriegszeit: Träume, Ordnung und Protest

Die Surrealisten suchten den Traum und das Unbewusste. Magrittes „Der Verrat der Bilder“ von 1929 zeigt eine Pfeife mit dem Text „Dies ist keine Pfeife“, und Dalís „Die Beständigkeit der Erinnerung“ von 1931 ließ Taschenuhren in einer öden Landschaft zerfließen. Zugleich suchte Mondrian mit schwarzen Linien und drei Primärfarben nach einer universellen Harmonie, wie in „Komposition mit Rot, Blau und Gelb“ von 1930.

Picassos „Guernica“ von 1937 ist das bekannteste Bild des Krieges im 20. Jahrhundert. Er malte es in etwa fünf Wochen nach der Bombardierung der baskischen Stadt, in Schwarz, Weiß und Grau, und es wurde im selben Jahr auf der Weltausstellung in Paris gezeigt. Frida Kahlos „Die zwei Fridas“ von 1939 macht aus einer persönlichen Krise ein Bild zweier Identitäten in einem Körper. Mehr dazu in der Epoche Zwischenkriegszeit.

Nach 1945: New York und die Pop-Art

Nach dem Krieg verlagerte sich das Zentrum der Kunst nach New York. Jackson Pollock legte die Leinwand auf den Boden und tropfte Farbe darüber, und „Autumn Rhythm“ von 1950 hat weder Mitte noch Rand. Mark Rothko ließ große, weich begrenzte Farbfelder übereinanderschweben, wie in „Rust and Blue“ von 1953; siehe den Ratgeber Was ist Abstrakter Expressionismus?

Um 1960 kam die Gegenbewegung. Andy Warhols „Campbell’s Soup Cans“ von 1962, 32 nahezu identische Suppendosen, brachten die Bilder der Werbung und des Supermarktregals in die Galerie. Lies den Ratgeber über Pop-Art und die Epoche Nachkriegszeit.

Hinaus aus dem Museum

Ab den 1960er-Jahren wollten viele Künstler den weißen Raum der Galerien verlassen. Siri Derkert ritzte 1965 in den „Ristningar i betong“ (Ritzungen in Beton) Porträts und Zitate über Frieden und Frauenrechte in die Betonwände der U-Bahn-Station Östermalmstorg in Stockholm. Robert Smithson baute 1970 „Spiral Jetty“, eine 460 Meter lange Spirale aus Stein im Great Salt Lake in Utah, die mal unter Wasser liegt und mal weiß vom Salz zum Vorschein kommt. Ein solches Werk lässt sich weder kaufen noch versetzen noch an eine Wand hängen.

Carl Fredrik Reuterswärds „Non-Violence“, ein Revolver mit verknotetem Lauf, entstand nach der Ermordung John Lennons 1980 und steht seit 1988 vor dem UN-Gebäude in New York. Die Performancekunst machte schließlich Körper und Zeit des Künstlers zum Werk. Marina Abramović lotete seit den 1970er-Jahren die Grenzen des Körpers aus, und ihre Arbeit „The Artist Is Present“ im MoMA 2010 führt diese Tradition in ein neues Jahrhundert weiter.

Warum viele ohne Foto gezeigt werden

Wer in der App durch die Werke des 20. Jahrhunderts blättert, sieht, dass viele mit einer Palette der Farben des Werks statt mit einem Foto gezeigt werden. Das liegt am Urheberrecht. In Schweden und im übrigen EU-Raum ist ein Werk bis zum Ablauf des siebzigsten Jahres nach dem Tod des Künstlers geschützt, und ein Foto eines geschützten Werks darf nicht frei gezeigt werden, selbst wenn der Fotograf sein Foto unter eine freie Lizenz gestellt hat. Werke von Picasso, Duchamp, Dalí und Warhol sind deshalb weiterhin geschützt, während Matisse, Hilma af Klint und Sigrid Hjertén heute gemeinfrei sind.

Die Palette ist eine Möglichkeit, trotzdem etwas über das Werk zu sagen. Vergleiche gern zwei Bilder nebeneinander im Vergleich, zum Beispiel „Les Demoiselles d’Avignon“ und „Guernica“, und sieh, wie sich Picassos Farben in dreißig Jahren veränderten. Der Ratgeber Was ist die Moderne? ordnet die Werke in einen größeren Zusammenhang ein.

Die Werke im Überblick

Übung

Welches Werk stellte 1917 die Frage, ob ein fertiges Objekt Kunst sein kann?