Las obras de arte más importantes del siglo XX

Entre las obras más importantes del siglo XX están Las señoritas de Aviñón de Picasso (1907), que abrió el camino al cubismo, Los diez mayores de Hilma af Klint (1907), la Fuente de Duchamp (1917), el Guernica de Picasso (1937), Autumn Rhythm de Pollock (1950), Campbell’s Soup Cans de Warhol (1962) y Spiral Jetty de Smithson (1970). Cada una cambió lo que el arte podía ser: cómo se construye una imagen, qué puede representar y si siquiera necesita ser una imagen.

Datos

1905-1918: las vanguardias rompen la imagen

El siglo comienza con Las señoritas de Aviñón, que Picasso pintó en París en 1907. Cinco mujeres se descomponen en planos angulosos y se ven desde varios lados a la vez, y dos de ellas tienen rostros como máscaras. La pintura conmocionó incluso a sus amigos y abrió el camino al cubismo. Ese mismo año pintó Hilma af Klint, en Estocolmo, Los diez mayores, imágenes de más de tres metros de altura sobre las edades del ser humano, con espirales y formas florales, que mantuvo ocultas al público.

La danza de Matisse, de 1910, convierte tres colores y cinco cuerpos rojos en un anillo de movimiento, y la Composición VII de Kandinsky, de 1913, es un torbellino de color y líneas sin objetos. El ruso Kazimir Malévich llegó más lejos y mostró en 1915 un cuadrado negro sobre fondo blanco. En Estocolmo, Sigrid Hjertén pintó en 1916 su Interior de taller con colores intensos y planos. Más en la época de la app las vanguardias.

1917: un objeto se convierte en arte

En 1917, Marcel Duchamp envió un urinario a una exposición en Nueva York, puesto de lado y firmado «R. Mutt». Fuente fue rechazada y el original desapareció, pero la pregunta que planteó ha marcado el arte desde entonces: ¿puede un objeto ya hecho ser arte, y quién lo decide? En una encuesta entre expertos en arte de 2004 fue elegida la obra de arte moderno más influyente. Lee la guía ¿Qué es un ready-made?

El periodo de entreguerras: sueños, orden y protesta

Los surrealistas buscaban el sueño y el inconsciente. La traición de las imágenes de Magritte, de 1929, muestra una pipa con el texto «Esto no es una pipa», y La persistencia de la memoria de Dalí, de 1931, hizo que los relojes de bolsillo se derritieran en un paisaje desolado. Al mismo tiempo, Mondrian buscaba una armonía universal con líneas negras y tres colores primarios, como en Composición con rojo, azul y amarillo, de 1930.

El Guernica de Picasso, de 1937, es la imagen más famosa de la guerra del siglo. Lo pintó en unas cinco semanas tras el bombardeo de la ciudad vasca, en negro, blanco y gris, y se exhibió en la Exposición Universal de París ese mismo año. Las dos Fridas de Frida Kahlo, de 1939, convierte una crisis personal en una imagen de dos identidades en un mismo cuerpo. Más en la época del periodo de entreguerras.

Después de 1945: Nueva York y el arte pop

Tras la guerra, el centro del arte se trasladó a Nueva York. Jackson Pollock puso el lienzo en el suelo y goteó pintura sobre él, y Autumn Rhythm, de 1950, no tiene ni centro ni borde. Mark Rothko hizo flotar unos sobre otros grandes campos de color de contornos suaves, como en Rust and Blue, de 1953; véase la guía ¿Qué es el expresionismo abstracto?

Hacia 1960 llegó la reacción. Campbell’s Soup Cans de Andy Warhol, de 1962, 32 latas de sopa casi idénticas, llevó a la galería las imágenes de la publicidad y de los estantes de los supermercados. Lee la guía sobre el arte pop y la época de la posguerra.

Fuera del museo

A partir de la década de 1960, muchos artistas quisieron salir de las salas blancas de las galerías. Siri Derkert grabó en 1965 retratos y citas sobre la paz y los derechos de las mujeres en los muros de hormigón de la estación de metro de Östermalmstorg, en Estocolmo, en Grabados en hormigón. Robert Smithson construyó en 1970 Spiral Jetty, una espiral de piedra de 460 metros que se adentra en el Gran Lago Salado de Utah, y que unas veces queda bajo el agua y otras emerge blanca de sal. Una obra así no se puede comprar, trasladar ni colgar de una pared.

Non-Violence de Carl Fredrik Reuterswärd, un revólver con el cañón anudado, se hizo tras el asesinato de John Lennon en 1980 y está desde 1988 ante la sede de la ONU en Nueva York. El arte de performance hizo por fin del cuerpo y del tiempo del artista la obra. Marina Abramović exploró los límites del cuerpo desde la década de 1970, y su The Artist Is Present en el MoMA en 2010 continúa esa tradición en un nuevo siglo.

Por qué muchas se muestran sin fotografía

Quien hojea las obras del siglo XX en la app ve que muchas se muestran con una paleta de los colores de la obra en lugar de una fotografía. Se debe a los derechos de autor. En Suecia y en el resto de la UE, una obra está protegida hasta el final del septuagésimo año posterior a la muerte del artista, y una fotografía de una obra protegida no puede mostrarse libremente aunque el fotógrafo haya dado a su foto una licencia libre. Las obras de Picasso, Duchamp, Dalí y Warhol siguen por tanto protegidas, mientras que las de Matisse, Hilma af Klint y Sigrid Hjertén son hoy de dominio público.

La paleta es una forma de decir algo sobre la obra de todos modos. Compara dos imágenes una junto a otra en Comparar, por ejemplo Las señoritas de Aviñón y el Guernica, y observa cómo cambiaron los colores de Picasso en treinta años. La guía ¿Qué es el modernismo? sitúa las obras en un contexto más amplio.

Las obras en breve

Ejercicio

¿Qué obra planteó en 1917 la pregunta de si un objeto ya hecho puede ser arte?